miércoles, 4 de febrero de 2009

EL PRIMER TEMA DE ROCK & ROLL


Determinar cuál es el primer tema de rock and roll es una especie de registro variable. Durante décadas, muchos fans del rock alegaron por “Rock Around The Clock” (1954) de Bill Haley y sus Cometas como la primer canción de rock and roll, pero no es más que el primer registro que se popularizó como un hit en la película “Semilla de Maldad”. Otro tema de 1954 es “Earth Angel” de The Panguins’, pero es del estilo Doo Woop.

Después de un tiempo, los críticos de rock determinaron gracias a la opinión popular, la consagración de Elvis con su tema “That’s All Right Mama” (también de 1954) como el iniciador del rock and roll.

Pero dentro del rhythm and blues, artistas de los años 50 comenzaron a reivindicar su legítimo patrimonio como pioneros del nacimiento del rock, otros, comenzaron a aparecer en la mente del público, el principal, entre ellos, fue la de la de Jackie Brenston’s, con la canción
“Rocket 88” (1951), ahora generalmente considerado el primer tema de rock and roll.

El debate no se detiene ahí, se encuentran también canciones que han ganado mucha crítica y apoyo popular como “The Fat Man” (1950), de Fats Domino; “Good Rockin' Tonight” (1948) de Wynonie Harris o “House Of Blue Lights” (1946) de Freddie Slack's.

Existen otras canciones como “Arthur Smith's Guitar Boogie”, un éxito con guitarra eléctrica, de 1948; “Sixty Minute Man” (1951) de The Dominoes'; “Lawdy Miss Clawdy” (1952) de Lloyd Price's; “Hound Dog” (1953) de Big Mama Thorton y “Gee” (1953) de los Crows'.

Entonces, ¿cuál es la canción que empezó el rock and roll? Las canciones de Elvis y Bill Halley son temas que más se acercan a los terrenos primigenios del rock & roll, pues combinan el swing del blues, el western, el hollering y el shuffle, tiempos básicos del ritmo del 4 x4.

Elvis no inventó el rock and roll, pero le dieron el empuje más grande del mundo, y accidentalmente se convirtió en el que para muchos es el Rey del Rock, aunque para otros es el gran Chuck Berry.


En comparación, las grabaciones mencionadas son tan buenas que no miden resultados en términos musicales, pues la mayoría de estas canciones tienen un estilo de trabajo que abarca el boogie y el blues, madre del rock. Los discos de Elvis y Halley, para bien o para mal, suenan como nuevas formas musicales, aunque siempre habrá quienes dicen que esto es sólo porque los hombres son de color blanco. Sin embargo, Chuck Berry, pisoteó a todos con su clásico “Maybellene” (mayo-1955). Habrá más pruebas de que la buena música rock no se fija en el color, ya que el rock and roll siempre ha sido más grande que cualquier otra persona. Más grande que todos nosotros, de hecho.

martes, 3 de febrero de 2009

EL DÍA EN QUE MURIÓ LA MÚSICA

Un día como hoy (3 de febrero), pero de 1959, el rock tuvo su primer acta de defunción, pues los rockeros Buddy Holy, The Big Bopper (J.P Richardson) y Ritchie Valens murieron en un accidente de aviación durante la gira que estaban llevando a cabo. Su avión de 4 plazas se estrelló en un campo de maíz en el estado de Iowa.


Pastelito Americano

Este hecho fue el que llevó a Don McLean a componer la sensacional American Pie, que salió a la venta en 1971. En la canción se hace referencia en diversas ocasiones a "the day the music died".


Una de las interpretaciones del final de la canción se atribuye a la muerte de estos 3 compositores:

"And the three men I admire most, the Father, Son and the Holy Ghost/
They caught their last train for the coast the day the music died."

"Y los tres hombres que mas admiro, el Padre, el Hijo y el Santo Fantasma (Espíritu Santo)/
tomaron el último tren a la costa el día en que la música murió."


lunes, 2 de febrero de 2009

ODESSA


Los Bee Gees (Brothers Gibb= The ‘B’ ‘Gs’) son sin duda una de las bandas más minimizadas en el mundo de la música pop rock, la culpa de ello: su gran éxito en los años 70 por su musical “Saturday Night Fever”, sin embargo, su época anterior a su fiebre discotequera se caracteriza por grandes trabajos que se encuentran en la etapa de la psicodélia americana.

Odessa es una de sus grandes obras, comparable a un Sgt.Pepper, a un Odessey & Oracle o a un Pet Sounds (de los Beach Boys), pues tienen grandes momentos experimentales y los falsetes característicos en Barry, Robin y Maurice Gibb.

Cuarto álbum de estudio de The Bee Gees, lanzado como un doble LP en 1969. Después de la grabación del álbum, el guitarrista Vince Melouney dejó el grupo amigablemente queriendo tener una dirección más dirigida hacia el blues. Antes del lanzamiento hubieron desacuerdos sobre que canción iba a ser lanzada como el single del álbum (el tema de Robin Gibb “Lamplight” perdió el lugar sobre “First of May” de Barry). Esto llevó a que Robin también dejara el grupo en 1969, aunque regresó a fines de 1970.


Odessa fue inicialmente lanzado en su cubierta con relieves y letras doradas. Debido a las reacciones alérgicas de algunas personas, este diseño fue discontinuado. En este gran álbum hay grandes temas melódicos como la sensacional “Lamplight”, “Black Diamond”, “Melody Fair”, “Suddenly” o instrumentales como “Seven Seas of Symphony” envueltos en violines (de David Katz), pianos, oboes, trompetas y selectas armonías vocales; temas llegados al country como “Give Your Best” o “Marley Purt Drive”.

Sin duda ODESSA, uno de los grandes discos de todos los tiempos, pero al mismo tiempo, uno de las menos valorados en el mundo de la música rock.


"Odessa (City on the Black Sea)" – 7:33
"You'll Never See My Face Again" – 4:17
"Black Diamond" – 3:29
"Marley Purt Drive" – 4:26
"Edison" – 3:06
"Melody Fair" – 3:50
"Suddenly" – 2:30
"Whisper Whisper" – 3:25
"Lamplight" – 4:47
"Sound of Love" – 3:29
"Give Your Best" – 3:28
"Seven Seas Symphony" – 4:10
"With All Nations (International Anthem)" – 1:47
"I Laugh in Your Face" – 4:10
"Never Say Never Again" – 3:29
"First of May" – 2:50
"The British Opera" – 3:16

domingo, 1 de febrero de 2009

OZZY Y LOS BEATLES


Si en el mundo del rock existe un gran fan de los Beatles ese es Ozzy Osbourne. El legendario integrante de Black Sabbath en una ocasión declaró para el Chicago Tribune: “Soy un gran fan de los Beatles. Ellos tienen unas grandiosas melodías y armonías, han sido una gran inspiración en mi música y en mis bandas”.

Aunque a muchos les parezca raro la manía de Ozzy por los Beatles (ya que ambos son famosos por su talento musical) aparte de tener tapizado su cuarto con pósters de los Beatles, el legendario integrante de Black Sabbath homenajeó al cuarteto de Liverpool y a Lennon en su disco Under Cover, con los temas “Woman”, “A Day in the Life” y “Working Class Hero”.



De Ozzy se recuerda también la gira que realizó en 1995, en donde a través de un video que servía como Open Show se veía a Ozzy cantando junto a John, Paul, George y Ringo, en el Show de Ed Sullivan.

En el 2008 Ozzy Osbourne se presentó a Paul McCartney en los Premios Brits, una versión inglesa de los Grammy norteamericanos, donde Paul interpretó temas de su entonces reciente álbum “Memory Almost Full” (del cual Ozzy, como curiosidad, votó en un sitio de Internet por mejor álbum del 2008). En esa ocasión Ozzy comentó que
“McCartney es un genio, los Beatles fue la banda más grande de la historia. El único problema que tengo con Paul es que siempre está de buen humor, y hasta Dios tiene un día malo, nadie puede estar feliz todo el tiempo, como pasa con Paul”.

Ozzy siempre ha confesado ser un gran admirador de los cuatro de Liverpool. Mientras The Beatles nos deleitaban con canciones románticas por excelencia, Ozzy nos erizaba la piel con esa voz de “ultratumba” sello de distinción de Black Sabbath, a puro Heavy y Hard Rock.


viernes, 30 de enero de 2009

BEATLES EN LA AZOTEA (Rooftop Concert)


Hace 40 años, los Beatles tocaron juntos por ultima vez. El jueves 30 de enero de 1969, John, Paul, George y Ringo tocaron en vivo en la azotea de las instalaciones de Apple Corps, en la calle de Savile Row, en Londres, Inglaterra. La idea fue concebida el 26 de enero de ese año, mientras el fallecido Billy Preston concluía con ellos el álbum Get Back.

Cuarenta y dos minutos duró la actuación de los Beatles, entre policías que esperaban a que finalizaran de tocar para poder arrestarlos y en medio de la confusión de la gente que miraba atenta en las calles.

Parte de este legendario y magistral concierto de los Beatles se puede ver al final del filme de Michael Lindsay Hog, llamado Let It Be, de 1970.


jueves, 29 de enero de 2009

U2 THE JOSHUA TREE

Han pasado veintidos años desde que esta banda irlandesa se reunió, y quien iba a pensar que tendrían el éxito alcanzado hasta hoy. A lo largo del tiempo han dejado un legado musical tal vez profético y filosófico, el cual muchos no han sabido entender. Sus canciones están llenas de matices poéticos, especialmente las de su gran álbum THE JOSHUA TREE, disco en la que U2 rescató géneros como el gospel, el soul, el country y el rhythm and blues.

Protesta, guerra, drogas y religión son algunos de los temas a los que hacen referencia en sus letras. En 1987, U2 fue etiquetado como el “Rock Hottest Ticket” (El boleto más caliente del rock) en la portada de la revista Time, después de lanzar su 5º álbum THE JOSHUA TREE, que ganó la distinción de ser el álbum más rápidamente vendido de todos los tiempos en el Reino Unido al ganar el grado de platino en las primeras 48 horas de salir a la venta. El impactante éxito del álbum, con canciones como “With or Without you”, “I Still Haven’t Found What I’m Looking For” y “Where The Srteets Have No Name”, sobrepasó los límites de la que aún la misma banda pudo imaginar, ya que alcanzó el número uno en 22 países con ventas mundiales de más de 15 millones de copias. Para 1987 recibió el Grammy como mejor disco del año y U2 como la banda de Rock. U2 simplemente pasó a ser la banda Más Grande Del Mundo.



En el otoño de 1986, U2 entra a los estudios Windmill Lane en Dublin Irlanda para grabar el memorable THE JOSHUA TREE. El 9 de marzo de 1987 finalmente es lanzado mundialmente una de las obras legendarias de los irlandeses U2: THE JOSHUA TREE, bajo la producción de Brian Eno y Daniel Lanois. El 16 de Marzo de ese año sale como primer sencillo, la tercera canción del disco, “With or Without You”, sencillo que tuvo como cara B los temas “Luminous Times” y “Walk to the Water”. “With or Without you”, fue el corte que impulsó a U2 hacia el estrellato, es una de las canciones más famosas y reconocidas de U2, aunque para muchos no la mejor, pero si, una de las más emotivas en su carrera discográfica. De nuevo Adam Clayton hace lucidez de su bajo con líneas estrictamente delicadas y de ensueño. The Edge resalta con lo que pareciera un órgano, pero en realidad, siendo una simple guitarra (sonido experimentado por él, en canciones como “Elvis Presley and América” y “4th of July”, del álbum Unforgettable Fire). Esta canción se desenvuelve en una atmósfera tranquila, una especie de sentimentalismo provocado por los vaivenes del amor, en pocas palabras, es una canción de amor pero expresada poéticamente como Bono bien lo sabe hacer.



“With or Whithout You” fue estrenada en vivo el 4 de Abril de 1987 en Tempe Arizona/State University Activity Center, y desde entonces hace llorar a los fanáticos más románticos.

En Mayo del ‘87 la segunda canción del álbum, “I Still Haven’t Found What I’m Looking For” que es lanzado como segundo sencillo, teniendo como cara B los temas “Spanish Eyes” y “Deep In The Heart”. En este segundo sencillo destacan las influencias Gospel de U2. Exquisita y relajada “I Still Haven’t Found” nos devuelve a un U2 cristiano de gloria. Bono corre desesperado en búsqueda de Jesús intentando hallar la paz. Se citan varios conceptos del Cristianismo tras esa búsqueda de Jesús, símbolo de la búsqueda personal para encontrar la tranquilidad espiritual, manifiesto de la inseguridad del ser humano al no saber cual es el camino que conduce hasta su Dios. En la última estrofa nos revela: “Que más da que buscar a Jesucristo” para poder expresar su mensaje. “Que el mundo en guerra encuentre la paz”. Logró llegar al número1 en USA y se interpretó en directo, por vez primera el 2 de Abril de 1987 en Arizona. Para ser exactos, el día del debut de la gira Joshua Tree.

El 31 de Agosto de 1987, sale el tercer sencillo del álbum, la canción que abre el disco: “Where The Streets Have No Name”, que tuvo como como cara B los temas “Silver and Gold” y “Sweettest Thing”. Este tercer y último sencillo del álbum THE JOSHUA TREE, fue una canción inspirada durante la visita de Bono y su esposa Ali a Etiopía en 1985, en la cual fueron voluntarios distribuyendo comida, asistiendo con ayuda sanitaria y educación. “WhereThe Streets Have No Name” es una fantástica canción, se puede decir, el corazón de THE JOSHUA TREE. Un órgano de Iglesia es la introducción de todo un recorrido por un sueño que se ve interrumpido por un rasgueo de guitarra estupendo guiado por un bajo que corretea y le da vida a la misma. “Where The Streets have No Name” debutó en vivo el 27 de Marzo del ’87, día de grabación de su propio vídeo promocional en lo alto de una tienda de licores en Los Angeles California.


Y que decir de las restantes canciones del álbum, como la excelente “Bullet The Blue Sky”, tema que inicia progresivamente con un gran shuffle ejecutado por la batería de Larry Mullen Jr., acompañado por la fuerza del bajo de Adam Clayton y los destellos que despide The Edge con su guitarra. El quinto tema del álbúm “Running To Stand Still”, una experimentación realizada por los irlandeses, en la que los acordes de la guitarra acústica dan paso a la suave y abrumadora voz de Bono, una canción que a manera de marcha ascendente, luce de manera exquisita la instrumentación del piano y la voz de Bono.

“Red Hill Mining Town”, un tema que habla sobre la huelga de mineros en Inglaterra en 1985, “In God’s Country”y “Trip Through Your Wires” que muestran la creatividad y el talento de la banda, pero sobre todo la calidad de la armonía en las voces, los coros y su exploración al género country. En las canciones “One Tree Hill”y “Mothers of The Disappeared” introducen elementos electrónicos que imperaban en esa década. “Exit”es el tema que le da fuerza y potencia al álbum, pues los integrantes se consolidan así como grandes ejecutantes por su dominio en cada uno de sus instrumentos.

Sin duda alguna el gran legado musical de Paul Hewson, Dave Evans, Larry Mullen Jr. y Adam Clayton:
THE JOSHUA TREE, considerado no solo como uno de los mejores discos de la década de los ochenta, sino como una joya musical y obra maestra dentro de la historia del rock.

Año de Edición: 1987
Duración: 50:13
Productores: Daniel Lanois
Ingeniero de sonido: Steve Lilly White
Island Records Ltd.

Canciones:

1. - “ Where The Streets Have No Name” 5:37
2.-“I Still Haven’t Found What I’m Looking For” 4:37
3.-“With or Without You” 4:56
4.-”Bullet The Blue Sky” 4:32
5.-“Running To Stand Still” 4:18
6.-“Red Hill Mining Town” 4:52
7.-“In God’s Country” 2:57
8.-“Trip Through Your Wires” 3:32
9.-“One Tree Hill” 5:23
10.-“Exit” 4:13
11.-“Mothers of The Disappeared” 5:14

miércoles, 28 de enero de 2009

96 LÁGRIMAS - ? Mark & The Myterians


El 29 de octubre de 1966 el grupo Question Mark and The Mysterians alcanzó el número uno de la lista de singles más vendidos en Estados Unidos con su single de debut "96 Tears". En ese mismo instante esta banda de Michigan se convirtió en una de las más importantes de todo el garage rock de los años 60.

Los miembros de esta banda tenían en común que habían nacido en Texas y que eran hijos de inmigrantes mexicanos. El grupo estaba liderado por Rudy Martínez, un extraño y extravagante músico que se hacía llamar
Question Mark (?) y que decía provenir de Marte. Este pintoresco personaje nunca salía al escenario sin unas oscuras gafas de sol y era tal su chifladura que el grupo firmó la distribución de su single con la casa de discos Cameo Parker porque el logo de esta discográfica era de color naranja y éste era también el color favorito del señor ? Mark.

Desde su lanzamiento en 1966, "96 Tears" ha sido versionado por múltiples grupos y solistas y a día de hoy hay versiones para todos los gustos, desde versiones soul y funk hasta versiones de grupos de punk rock y hardcore. Entre las versiones más exitosas de esta canción destacaríamos la de los Stranglers que en 1990 alcanzó el número 17 de la lista de éxitos pop del Reino Unido.


martes, 27 de enero de 2009

El Legado o las Historias de Aquello que Todos Llaman “ROLLING STONE “


A los rockeros nos es sumamente familiar el oír las palabras “Rolling Stone”. A algunos nos remite al grupo integrado por Jagger y Richards, a otros nos lleva a la mente la frase: “How does it feel” del buen maese Bob Dylan, de su canción “Like a Rolling Stone”. Posteriormente, surge en 1969 la revista norteamericana titulada Rolling Stone, RS.

El legado de aquellas dos palabras “Rolling” y “Stone” tiene sus raíces en el mismísimo Muddy Waters, quien grabó su canción “Rolling Stone”, uno de los grandes temas de los inicios del denominado rock and roll (rhythm and blues). He aquí la historia:

El Delta es un bajo mundo acuático de pantanos, riachuelos, diques y canales que impiden al río inundar algunas de las mejores tierras del mundo para el cultivo de algodón y arroz. El blues surgió de un paisaje de campos de algodón, carreteras de grava, arboledas de pacanas, emparrados de kudzu, cercados de caña, cabañas de los aparceros, granjas de los terratenientes, campos de arroz y un inmenso cielo blanco lleno de agua y polvo.

Un día caluroso de 1941, un viejo Ford levantó una nube amarilla de polvo en la carretera de grava con dirección a la plantación de Sherrod, cerca de Clarksdale (Mississippi).Un alto granjero negro, de veintiséis años, llamado McKinley Morganfield se asusto cuando el coche dio la vuelta en la carretera y se dirigió hacia su cabaña situada detrás de una hilera de árboles.

Se preocupó por si en el interior del coche viajaban inspectores de Hacienda del estado de Mississippi en busca del alambique de licor de maíz, oculto en un matorral cercano, que suministraba a un garito ubicado justo al lado, y que el mismo llevaba….

“El Aguas Lodosas”

Pero en el coche viajaban Alan Lomax, un joven folclorista que recogía grabaciones de campo de las plantaciones sureñas y de las granjas-prisión para la Biblioteca del Congreso. Lomas había oído hablar de la fama de cantante de Morganfield en las calles de Clarksdale, donde se le conocía como Muddy Waters, alias “Aguas Lodosas”.



Esa tarde, después de horas tratando de convencerlo, Lomas grabó a Muddy Waters por primera vez interpretando “Walkin Blues, del extraordinario Robert Johnson, que Lomas retitulo “Country Blues No. 1”. Lomas interrogo especialmente a Muddy sobre Robert Johnson, pionero que erigió la plantilla estructural.

Muddy hizo hincapié en que de hecho nunca había visto a Robert en persona, y que había aprendido sus canciones gracias al viejo bluesman Son House. Después recordó haberlo visto tocando en una esquina de Friar’s Pint (Mississippi).

Antes de que Lomas se fuera, tambien grabo a Muddy cantanto “I Be’s Troubled”, el ancestro emocional de “(I Can’t Get No) Satistaction”. Más tarde, en 1942, Muddy se fue del Delta y llevó el blues campestre al Chicago .

Pero el blues necesitaba una bateria y amplificadores para hacerse oír en el estrépito de las grandes ciudades. Muddy monto su primer grupo de Chicago alrededor de Little Walter Jacobs y su brillante armónica amplificada. Obtuvieron una gran popularidad en el South Side, grabaron en 1964 y pronto empezaron a trabajar para dos inmigrantes polacos blancos, Leonard y Phil Chess, quienes montaron un estudio de grabación en 1947, cuando se percataron de que los extravagantes músicos populares negros que contrataban para actuar carecían de contrato discográfico.

El primer disco de Muddy, que incluía la renovada canción de “I Be’s Troubled”, pero ahora con el tituló de “I Can’t Be Satisfied” se grabó en el verano de 1948. Para 1950, Muddy era el rey indiscutible del blues en Chicago.

En 1950, Muddy volvió al Delta con una canción titulada “CATFISH BLUES”. Tocando lento y en sólo en las cuerdas inferiores de su guitarra, y con el nuevo titulóde “ROLLIN’ STONE”, el disco profetizaba, de manera sorprendente, el futuro y una nueva generación del blues, hablando con un misterioso y poseído cántico de “un chico que viene, que será un canto rodado, que será un canto rodado”

El resto es leyenda………….

Y con ustedes…Las Piedras Rodantes!



Cuando los llamados Blue Boys actuaron en el Marquee de Oxford Street en Londres, pero el productor le dijo a Brian Jones que su conjunto necesitaba un nombre nuevo para los anuncios, Brian dijo: “The Rollin’ Stones”, del clásico de Muddy Waters “Rollin’ Stone”. Stu (Ian Stuart) odiaba el nombre (“Suena como una compañía de jodidos acróbatas irlandeses”), pero se quedó. Para consternación de Brian, el anuncio para la actuación de ese jueves 12 de julio de 1962 decía: “MICK JAGGER AND THE ROLLIN’ STONES”.

“Como una Piedra que Rueda”

El 17 de junio de 1965, en un estudio de la disquera Columbia, en pleno Manhattan, Dylan junto al guitarrista Mike Bloomfield, Al Kooper (al órgano Hammond), Paul Griffin (en el piano), el bajista Joe Macho, el baterista Bobby Gregg y Bruce Langhorne (en la pandereta), se dispusieron ha hacer historia: grabar “LIKE A ROLLING STONE”.


El 30 de agosto de 1965, apareció el álbum “Highway 61 Revisited”, de Robert Allan Zimmerman, que abre con la épica y genial canción “Like a Rolling Stone”.

La Revista

Jann Wenner y Ralph Leason se conocieron en 1965, en el tributo al Dr. Strange, donde Jefferson Airplane tocó en el Longshoreman Hall de San Francisco. Gleason, columnista de jazz de The San Francisco Chronicle, y Wenner, un estudiante universitario de Berkeley, fundaron una revista en 1967 que documentaba el nuevo mundo del rock & roll. En una planta donada por su impresor, armaron un equipo de inteligentes inadaptados que sacaron para la portada una still de la cinta en la que participaba John Lennon con un vestuario de militar y bautizaron la publicación con el nombre de ROLLING STONE.

En el primer año, la revista hizo reportajes del Monterrey Pop Festival, cubrió el arresto de Grateful Dead por uso de drogas y dio a los músicos un nuevo canal de comunicación directa con su audiencia. Pete Townshend, Jagger, Clapton y Lennon les hablaron a sus fans como nunca antes lo habían hecho.



Bajo la dirección de arte de John Williams, en un formato de 27 x 43 centímetros en papel periódico, y con un precio de veinticinco centavos, apareció el 9 de Noviembre de 1967 el primer numero de la ROLLING STONE, en cuya portada aparece una foto publicitaria de John Lennon en la cinta “How I Won the War”.


Muddy Waters-Rollin' Stone

lunes, 26 de enero de 2009

VUELO 666

Iron Maiden - Flight 666 - Abril 2009


domingo, 25 de enero de 2009

SUEÑOS DE ROCK AND ROLL (Honeydripper)


La película estadunidense “Sueños de rock and roll” (Honeydripper), escrita y dirigida por John Sayles, y protagonizada por Danny Glover, es una historia llena de metamorfosis musical que se desarrolla en una época saliente de conflictos bélicos y la nueva adaptación de la raza negra dentro de las comunidades blancas.
Sinopsis:

En su décimo sexto largometraje, el cineasta independiente John Sayles aborda el nacimiento del Rock & Roll. Ubicada eb 1950, la historia de Tyrone (Danny Glover), pianista y dueño de un pequeño bar espera salvar su local de la ruina contratando a "Guitar Sam", el mejor guitarrista de Blues en la radio. Cuando llega el día de la actuación, el músico no aparece en el tren en el que debía llegar, por lo que Tyrone tendrá que buscar una solución para rescatar su negocio y, sin sospecharlo, dar vida a una nueva era musical.



Esta historia es producto de la fascinación que siente por la génesis que gira entorno al rock and roll.
Director: John Sayles .
Estados Unidos, 2007.
Con Danny Glover (Tyrone Purvis), Lisa Gay Hamilton (Delilah Purvis), Yaya DaCosta (China Doll), Charles S. Dutton (Maceo Green), Gary Clark Jr. (Sonny Blake), Mable John (Bertha Mae Spivey).
Prod: Maggie Renzi .
Dur: 122 mins.


viernes, 23 de enero de 2009

LOS BEATS EN MÉXICO

En esta ocasión, LA CREMA ROCK, les presenta un documental (aquí en La Crema presentado en tres partes) que fue transmitido en el Canal Once Tv en el año 2005, sobre la Generación Beat. Ojalá lo disfruten!.





jueves, 22 de enero de 2009

UN MUNDO SIN AMOR - Peter and Gordon

Peter y Gordon fue un dúo de la famosa invasión británica, formado por Peter Asher y Gordon Waller, que vertiginosamente tuvieron fama en 1964 con ela sensacional "A World Without Love" y varios éxitos posteriores en la época.

La hermana de Peter Asher (la actriz Jane Asher) se enamoró de Paul McCartney, fue así que Peter y Gordon grabaron varias canciones escritas por McCartney y John Lennon.

Otro hitazo del dueto fue la hermosa "I Got to Pieces" que fue escrita por Del Shannon.

Recordemos al buen Peter y Gordon en este mundo sin amor de los últimos tiempos.


Álbumes

A World Without Love (1964)
I Don't Want to See You Again (1964)
I Go to Pieces (1965)
True Love Ways (1965)
Sing and Play Hits of Nashville (1966)
Woman (1966)
Best of (1966)
Lady Godiva (1967)
Knight in Rusty Armor (1967)
In London for Tea (1967)
Hot, Cold & Custard (1967)



Peter and Gordon, 2008