Imagínate una tertulia de poetas del rock filosofando sobre temas universales: vida y muerte, sexo, amor, libertad, Dios, verdad…, o ensartando diatribas sobre temas de actualidad: política, sociedad, guerra, paz, naturaleza, ecología…, un coro de voces articulando frases lapidarias, juicios inspirados, sentencias luminosas que, unas veces, se complementa, otras se contradicen, pero siempre se aúnan para formar un extraordinario calidoscopio de la experiencia humana, desde un punto de vista poético-rockero. Algo así…
A menudo la poesía canónicamente publicada no es más que letra muerta: repetición, plagio, homenaje. Por eso Aforismos, dichos y refranes del rock es más que un libro: es un acontecimiento.
Lo más puro de la poesía (la inteligencia), en palabras de algunas de las mentes más lúcidas del siglo XX. Sometido a la tiranía de la música, el verso se ve obligado a condensarse como un fragmento de supernova; de ahí la intensidad inusual de la expresión.
“Mi vida es sólo mía, mi amor de quien lo vea.” George Harrison
“Para vivir fuera de la ley has de ser honrado.” Bob Dylan
“Esta locura está bien si tú también estás loco.” Cat Stevens
“Soy un hombre del siglo veinte, pero no quiero estar aquí.” Ray Davies
“Nunca supe lo que querías, así que te lo di todo.” Bruce Cockburn
“Te veo como el amor eterno, demasiado bueno para durar.” Tim Hardin
Desde los inicios del boom del blues inglés de los años 60, pasando por la psicodelia, el glam y el punk, hasta llegar a la música grunge de mediados de los 90, el rock se supo erigir como el movimiento más importante del siglo XX.
El vinilo de 33 o de 45 rpm constituyó el soporte privilegiado para su difusión por todo el mundo. Esta música y sus muy diversas vertientes se materializó particularmente sobre las fundas de vinilo, para cuya realización los sellos discográficos movilizaron a los más destacados dibujantes, grafistas y fotógrafos.
Con cerca de 700 cubiertas históricas o singulares citas, anécdotas, este libro nos descubre la historia del rock, sus leyendas, sus bandas más célebres o desconocidas, y nos introduce en el torbellino de 40 años de creación musical y gráfica.
CONTENIDO
Discount Una historia subjetiva del rock a través de las cubiertas de vinilo
Introducción El boom del blues inglés
Los americanos descubren la electricidad - Tras el delirio de los Beatles - El country rock
¿Eres Beatles o Stones?
La psicodelia - La psicodelia en la costa oeste - La psicodelia en Nueva York - Andy Warhol, diseñador de fundas de vinilo - Un chico diferente: Frank Zappa - Entre la psicodelia y el garage, los primeros punks americanos - Cuando la electricidad se une a la revuelta: de Los Ángeles a Detroit - Cómic, rock y contracultura
El rock psicodélico inglés El encuentro del rock psicodélico y del jazz
Del clásico al fantástico... - El rock progresivo - Un ilustrador fantástico: el arte de Roger Dean - El rock alemán - El rock francés
Los inicios de los años 60 se vieron maquillados... - Mientras tanto en New York, los iconos de la Velvet se quedan solos
Sobre las cenizas humeantes de Cream - El nacimiento del hard rock: del hard blues a Led Zeppelin - Hard Rock y Boogie: los Estados Unidos inventan el gran sonido - El art rock de la tipografía - Cuando el rock aterriza en los pubs: el pub rock - Rombo, pop up, la funda no siempre es cuadrada - Prensa y rock
Sombreros de cowboys, botas camperas y bandas confederadas - El rock encuentra el nido del blues y se instala en los estados sudistas - Cabalgando entre el country y la psicodelia
Entre imperdibles y levitas: el punk - Punk inglés y revuelta obrera - Punk americano y corriente arty
Cuando los ochenta dudan entre el baile y la depresión - New Wave, no wave: entre electro y rockabilly - El rock gótico y la cold wave - Lírica y vanguardia: entre la dictadura estética, el rock industrial y la vanguardia
De los ambientes cargados de humo a la desmesura de los estadios: los ochenta y los noventa - De los ochenta al renacimiento del rock de guitarra - Whisky, polar, ambiental jazz - Hard rock, heavy metal, death metal, rock hardcore... - El rock independiente entre americana, country alternativo y punk alternativo... - El grunge
Conclusión - Pequeño florilegio de vinilos de hoy - El rock es... - El rock es, antes que nada, una historia de guitarra - El rock puede ser una historia de ruta - El rock son también raíles a seguir - El rock es ante todo una cuestión de actitud: perfección y gafas negras
El DVDThe Quarry Men: The Band That Started the Beatles (producción de Garrick Danker Medienproduktion) recopila en video aquellos días del grupo, hecho por los actuales sobrevivientes:Rod Davis,Len GarryyColin Hanton.
En 130 minutos el dvd abarca temas como la histórica reunión de John Lennon y Paul McCartney, el trabajo con George Harrison, sus actuaciones y su separación. Se vé actuar a los actuales The Quarrymen interpretando música folk y tradicional.
No incluye muchos temas beatles, Davis señala que "The Quarrymen no eran un grupo como The Beatles". En el escenario, sin embargo, incluye un par de canciones que tiene que ver con los Beatles: "That ll Be the Day" y "In Spite of All the Danger," y también una interpretación de la canción de los Beatles "In My Life".Incluye el primer nuevo single de los Quarry Men en más de 50 años: "Never Stop Rockin ' Rollin.".
Con más de 35 mil títulos, la tienda de discos (acetatos de rock)Retroactivo Recordses una opición nosolo para los verdaderos amantes del rock, sino para los coleccionistas, aficionados o curiosos del ritmo del 4 x 4 en todos sus géneros y variantes.
Con precios que van de 30 pesos hasta 15 mil pesos (una caja de acetatos con toda la discografía delos Beatles)Retroactivo Recordstiene Rock, Psicodélia, Rock Mexicano, Soundtracks, Infantil, Pop, Balada, etc en 78, 45 y 33 r.p.m.
La Crema Rocklos invita a visitar esta tienda 200% rockera, ubicada en la calle de Jalapa 125. Col. Roma Norte o en su caso visitar su página web en donde pueden encontrar el catálogo completo de la tienda, reportajes, videos, fotos, podcast, etc.
Considerado como el mejor trabajo discográfico de losCAIFANES,EL SILENCIO, tercer disco de aquella banda legendaria agrupación de rock mexicano, es uno de los discos favoritos y predilectos de La Crema Rock del rock hecho en México.
Obra cumbre de los Caifanes, es en primer lugar representativo por haber sido grabado por la mejor alineación del grupo: Saúl Hernández (guitarra y voz), Diego Herrera (teclados, saxofón, percusión y jarana), Sabo Romo (bajo y guitarra acústica),Alfonso André (batería y percusión), Alejandro Marcovich (guitarra, requinto jarocho), una formación que estaba lejos de los egos individualistas y que quintaesenció la idiosincrasia y el folclor mexicano, pues está lleno de fusiones entre rock y música mexicana y latina.
Compuesto de 14 temas,El Silencionos abre a la experimentación rockera, es un disco lleno de consensos, acuerdos, y una magia musical que el quinteto musical estaba buscando desde sus discos anteriores, es la suma de individualidades, pues Caifanes estaba en su mejor momento yEl Silenciofue el disco más esperado por la legión de seguidores del grupo.
El Silencioes un álbum trascendente, es la cumbre de una de las agrupaciones que cambiaron la historia del rock en México, está cimentado en lo que cada uno de los integrantes de Caifanes exploraron, como ideas nuevas, el clímax en las letras, solos de guitarra con huapangos, son mexicano y sampleos de voces, algo muy alejado de las pretensiones comerciales de los medios que controlaban todo en ese entonces, lo que le dio una plataforma y una infraestructura a los demás grupos como Café Tacuba, Santa Sabina, Fobia o Maldita Vecindad.
La portada de El Silencioestá llena de imágenes de la cultura prehispánica, lo que lo convirtió en un disco conceptual, cuyas canciones tuvieron eco en multitudes, pero sin traicionar la ideología del grupo, sus melodías, las estructuras e instrumentación que hicieron del proyecto un impulso conectado con los ancestros musicales de la música mexicana.
El disco fue grabado en una época de abundancia para las compañías disqueras y los recursos empleados por la banda requirió echar mano de talentos externos que enriquecieran su obra, tal fue el caso del productor y líder de King Crimson, Adrian Belew, quien refinó al grupo hasta la perfección.
Impregnado de una mexicanidad folclórica y de cultura popular mexicana, fue un balance de ideas en el rock de Caifanes que se vio reflejado en la forma de hacer los arreglos hasta mezclar el rock con música tradicional, electrónica y el sonido británico tropicalizado al estilo mexicano, lo que lo hizo un disco de características dievrsas.
El disco se grabó en un estudio aislado, fue un trabajo muy a conciencia, que no complació gustos y únicamente querían agradecerse a sí mismos, algo muy contundente, fue una gran paleta de acciones y maneras de hacer el arte, fue una reinvención y una transgresión a las fórmulas anteriores.
El Silencioes un disco sensible, profesional, muy mexicano, místico, en la que Caifanes no escatimó y ocupó todos los recursos que tuvo a la mano, a pesar de ser un disco melancólico, que fue grabado en plena explosión metafórica y creativa de sus creadores.
El Silenciode Caifanes es un disco emblemático con una producción cuidada y mucho de la personalidad de cada quien, es un álbum de culto dentro del rock mexicano que ya es parte de la idiosincrasia y del gran folclor de lo bueno hecho en la tierra de los dioses ocultos.
Metamorféame (André, Hernández, Herrera, Romo, Marcovich) (2:44) Nubes (Hernández, Marcovich, Romo) (4:35) Piedra (Hernández, Herrera) (4:34) Tortuga (Marcovich, Hernández, Herrera) (4:39) Nos vamos juntos (5:08) No dejes que... (4:40) Hasta morir (Marcovich, André, Hernández) (3:45) Debajo de tu piel (3:31) Estás dormida (Marcovich) (3:37) Miércoles de Ceniza (4:53) El comunicador (4:57) Para que no digas que no pienso en ti (3:56) Vamos a hacer un silencio (5:16) Mariquita (tradicional, arreglo de Herrera, Marcovich y Hernández) (1:56)* Mariquita sólo fue editada en la versión en CD.
Publicación 29 de mayo de 1992 Duración 56:15. La edición en CD dura 58:28 Discográfica RCA Records, Sony Music Productor: Adrian Belew
El guitarristaFrederick Lincoln Wray, Link Wray, nació el 2 de mayo de 1929 en Dunn (EEUU), descargó con su guitarra los ruidos más sucios y febriles de la música de la época en sencillas, casi cavernícolas, acordes gigantes, riffs minimalistas y distorsión de azufre fueron características de sus composiciones para el baile del eco distorsionado de su Gibson Les Paul de 1953.
Apenas cumplidos los 20 años, fue mandado a la Guerra de Corea a hacer el servicio militar. No fue herido, pero una tuberculosis le afectó un pulmón que hubo de ser extirpado. Un hecho que hizo que el muchacho no pudiera cantar como Elvis.
Link Wray se nutrió de innumerables instrumentistas, de Ray Davies (The Kinks) a Ira Kaplan (Yo La Tengo), de Eric Clapton a PJ Harvey, de Jimmy Page a Neil Young, de Poison Ivy a, desde luego, Pete Townshend (The Who), que llegó a afirmar: “Link Wray es el rey. Si no llega a ser por 'Rumble', nunca hubiese cogido una guitarra”.
“Rumble”fue el gran éxito de Wray, una turbulenta pieza de 1958 que incluso llegó a ser censurada por algunas emisoras de radio no sólo por el sonido, sino por incitar a las peleas de bandas... ¡y eso que no tenía letra! Aquel poderoso zumbido, como si en vez de cuerdas su guitarra tuviera cables de alta tensión, era producto de una hábil manipulación del amplificador, agujereado con un lapicero.
Pionero en esas innovaciones, así como inventor del llamado ‘power chord’ ( juego de acordes de referencia durante la década de los 70 en el punk y el heavy metal) Wray no recibiría nunca el reconocimiento popular que los especialistas de cada generación le tributaban. Así, su carrera se mantuvo activa por medio de decenas de sobrenombres y grabando para sellos de todo pelaje, pero nunca salió de ese submundo del estrellato de culto.
Entre 1955 y 1965, durante el boom del rock instrumental, Wray grabó con sus hermanos Vernon y Doug y con su primo Shorty Horton bajo sugestivos alias como The Ray-Men, Link Wray & His Wraymen o Lucky Wray & The Lazy Pine Wranglers.
Aunque lo de ‘lucky’ le venía por su afición al juego, no gozó de fortuna en las listas de ventas. Sólo tuvieron cierto impacto sus singles ‘Rawhide’ (1959) y ‘Jack The Ripper’ (1963), en los que se percibía la influencia del rockabilly y de las raíces americanas que corrían por su sangre: su madre era india shawnee.
En 1965 se mudó a la granja de pollos familiar, donde construyó un primitivo estudio de grabación de tres pistas, desde el que siguió lanzando subterráneos latigazos publicados por diferentes sellos, incluido el suyo propio, “Rumble”.
Tras un notable álbum homónimo cantado, en 1971, y de un par de años a finales de los 70 secundando al revivalista Robert Gordon, con el que actuaba de espaldas para no restarle protagonismo, se mudó a Dinamarca, de donde era natural su mujer.
Sólo salió de allí, en los últimos años, para hacer largas giras al calor de su enésimo redescubrimiento, esta vez propiciado por la inclusión de algunos de sus temas en las bandas sonoras de Pulp Fiction, Desperado e Independence Day.
Falleció el 5 de noviembre de 2005 en Copenhague (Dinamarca) de una dolencia cardiaca a la edad de 76 años.
CuandoMTVera vital para los rockeros y el rock, surgió en los años 90’s una serie de conciertos de los llamados “Desenchufados” o“Unplugged”, en donde los grupos que lo hacían tocaban un set acústico de sus éxitos, en donde predominaba únicamente la instrumentación directa sin cortapisas, sin electricidad, destacando el uso de cuerdas y los buenos arreglos musicales.
De esta manera, el primer “unplugged” transmitido en MTV fue la actuación del grupo XTC en mayo de 1989 y las improvisaciones de Jon Bon Jovi con Richie Sambora de Bon Jovi en el MTV Video Music Awards del mismo año, tocando “Wanted Dead Or Alive”. La popularidad de esta última presentación hizo que la cadena iniciara la transmisión regular de estos conciertos ese mismo noviembre.
Después vendría el grandioso Unplugged de Paul McCartney, que se editó en disco con el título de "The Official Bootleg" en 1991. A este le siguió el del señorón Eric Clapton,del cual se desprendió su hoy clásico "Tears in Heaven", dedicado a su hijo fallecido.
Los grupos Queensrÿche y Alice In Chains, y Nirvana fueron otros desenchufados de éxito, pero fue el de la banda de Kurt Cobain el que más televidentes tuvo en ese 1993.
Tres años después, en agosto de 1996, el grupo KISS se presentó un magistral Unplugged, pues reunió a sus integrantes originales, reunidos por primera vez en más de una década. Fue tal el éxito de su actuación, que decidieron iniciar una gira mundial retomando su mítico maquillaje.
Robert Plant y Jimmy Page también lanzaron su famoso álbum “No Quarter”. En México, los Acústicos o “Desenchufados” más memorables fueron los de Caifanes, Café Tacuba y Maldita Vecindad. Los argentinos de Soda Stereo también fueron de los más vistos en la serie de los Unplugged de MTV.
Otros Unplugged:
10,000 Maniacs Aerosmith Alanis Morissette Alice in Chains Annie Lennox Bob Dylan Bruce Springsteen The Cranberries Duran Duran Elton John Agujero Hootie & The Blowfish Joe Cocker K.D. lang Katy Perry Midnight Oil Neil Young Soda Stereo The Cure
Una de las agrupaciones que hoy en día podrían denominarse como “indies” del rock mexicano, un grupo que más bien es en la actualidad de culto para los conocedores y coleccionistas del rock es, sin duda,Los Tepetatles, grupo contracultural por antonomasia surgida en el año de 1965 en México, Distrito Federal.
Los abuelos del charrocanrol…
Bisabuelos de los Café Tacuba, los abuelos de Botellita de Jeréz, y los padres de los Xochimilcas, el concepto de producción de los Tepetatles estaba integrado por el escritor Carlos Monsiváis, quien hacía las letras; Chava Flores (poeta urbano y músico), un estudiante de Contador Público de la ESCA de la UNAM que se jactaba de cualquier cosa; Alfonso Arau, un insipiente bailarín clásico y moderno, mimo, comediante, director y escritor de cine, ex-estudiante de Medicina de la UNAM, y un dibujante, grabador y escultor, José Luis Cuevas, quien junto con Julián Bert (quien había sido músico de sesión de Bill Halley) y Vicente Rojo, se encargaron del diseño gráfico y visual de los Tepetatles, mientras en vestuario estuvo a cargo de Francisco Aguilar.
The Tepetatles…
La música de Los Tepetatles fue creada por Alfonso Arau para un espectáculo hecho especialmente para el centro nocturno El Quid, propiedad de Ernesto Alonso. El nombre de la banda es una burla más que una parodia a The Beatles, conformado por la palabra “tepetate” y la terminación “tles” como en el nombre del cuarteto de Liverpool.
Los músicos que conformaron a The Tepetatles eran Marco Antonio Lizama en la guitarra Marco Polo Tena -de Los Rebeldes del Rock- en el bajo, José Luis Martínez en la batería y Julian Bert al piano.
Estos músicos no solo tocaban sino que dieron vida a personajes diseñados previamente: un jazzista con nudo de corbata a la batería, un músico clásico extraviado en los teclados rocanroleros, un dandy al más puro estilo británico en el bajo, un maya de paliacate y manta a la guitarra y un vocalista impertinente que gritaba y aullaba a la vez que tocaba una guitarra de doble mástil donde se asomaba una tercera mano de utilería.
La banda The Tepetatles grabó solamente un disco (hoy de culto y valuado en cerca de 10 mil pesos mexicanos) cuyo título es “Triunfo y aplastamiento del mundo moderno con gran riesgo de Arau y mucho ruido- Arau A go-go”. La portada del disco de los Tepetatles es en color rojo en donde aparecía el rostro de dos individuos, uno al fondo soltando una plena carcajada y el otro dando una especie de grito, es una especie de portada que se adelantó a su época, ya que las disqueras decidían casi siempre tomar la foto oficial de los grupos de rock y no había mucho espacio para el desarrollo artístico tanto en la portadas como en la música.
El Disco de culto…
El disco abre con el tema “The Tepetatles”, un tema de ritmos de ska y pre-punk, pues la letra dice “Y los tepetatles han llegado ya...” una canción ondera, como sacada de los libros de Parménides García Saldaña. Le sigue “Cordobés”, un flamenco a go-go que después se conocería como surf; en la cuál y como todos en aquel entonces le cantaban a su torero favorito en turno, tiene una introducción surf, cantada en ingles y español, es decir en spanglish contracultural y guapachoso.
El tercer tema es “Zona Rosa”, una canción al más puro estilo de las big bands, es un homenaje a una de las zonas más populares de la ciudad de México, la estructura musical es muy básica para narrar musicalmente la elegancia de la Zona Rosa en aquellos años, su arte y buen gusto. “Que te pique el Mozambique” es un tema en donde se hace un pequeño juego de palabras en doble sentido, acompañadas de un ritmo muy divertido. La quinta canción del disco es “El último romántico”, balada tocada en tiempo de vals en donde el grupo confiesa que trata de ser “..Cruel y romántico…” como exigen los tiempos modernos, pero no puede evitar caer en los clásicos tópicos de los enamorados, quizás refiriéndose a que se sienten algo más identificados con los músicos de la vieja escuela, que con el movimiento de sus tiempos.
Después de “El último romántico” que invita a moverse en un baile dulce para conquistar a la chava, sigue “Sitting”, un tema de guitarras atractivas, sigue “Rockturno”, un tema que implora a ‘batear’ con la chava e imaginarse en una especie de guapacheo rocanrolero. “Teotihuacon a go go” es un rock ‘a go go’ donde se ensalzan trabalenguas junto con unas deliciosas líneas de bajo y percusiones prehispánicas; el tema es de poco más de un minuto de duración, y es a partir de aquí en donde los nombres de las canciones empiezan a volverse más peculiares.
“Snif Snif Gulp Gulp” es la balada de un llorón, quizás el mismo de rockturno, aquí el tipo abandonado describe sus sentimientos y acciones. Cada línea cantada es seguida por onomatopeyas como grunch, gulp, toc, snif.
En el tema “Tlalocman” surge un nuevo súper héroe mexicano, el cual tiene que balancear una vida donde usa sus súper poderes para vencer villanos, ver mujeres y pagar quincenas. “Los Monstruos” es como el rock cantado a la familia de la novias, pues habla de un chico lleno de miedo viendo el álbum familiar de su pareja, en donde hace comparaciones grotescas entre la familia de ella, para después hacerlas con su familia y confiesa el temor que siente al estar cerca su boda.
La canción que cierra el álbum de los Tepetatles, “El peatón estaba muerto y el semáforo lloraba” es otro tema divertido y alegre, en la que un conductor imprudente transita por las calles de la Ciudad de México y describe con la misma dosis de humor que acompaña el disco cómo atropella y mata viejitas, para después sobornar policías y poder salir del apuro y conducir de nuevo para atropellar a más ancianos y repetir el mismo ciclo.
Los Tepetatles, hoy de culto para los amantes del rock mexicano, fueron originales y autónomos, que buscaron una identidad nacional, pero también muy contracultural, llena de humor, rock guapachoso y muy ondera.
"Paul no está muerto"es una leyenda urbana que asegura que Paul McCartney, cantante y compositor de la legendaria banda The Beatles murió físicamente en 1966, y que fue reemplazado por un doble muy parecido a él físicamente e incluso con la misma voz llamado William Campbell, un Policia de Canada. Oficialmente, McCartney se encuentra vivo hasta la fecha.
El autor mexicano, Martín Salvidea Palma, publicó recientemente el libro "Paul No Está Muerto" bajo el sello editorial Rosa María Porrua Ediciones, en donde explora:
LA VERDADERA HISTORIA
154 PRUEBAS DE LA MUERTE DE PAUL MC CARTNEY
CÓMO SE REBATEN ESAS PRUBAS¿
QUÉ HACÍA JOHN LENNON AQUÉL 9 DE NOVIEMBRE DE 1966?
Finalmente, el canal de videos Leucotea tiene una serie de 12 videos (incluídas conclusiones interesantes) sobre el reportaje completo Paul No Está Muerto, y que se puede encontrar en:
A comienzos de la década de los cincuenta se produjo en Estados Unidos el surgimiento de una nueva modalidad de música popular: elrock & roll, expresión que podría traducirse por "contonearse y rodar". El término Rock-and-Roll fue utilizado en 1951 por Alan Freed, disc jockey de Cleveland, tomado de la canción "My Baby Rocks Me with a Steady Roll".
Sus antecedentes más directos hay que buscarlos en el jazz, en los ritmos africanos trasplantados a los Estados Unidos por los esclavos y posteriormente desarrollados en las comunidades negras: el blues y el gospel.
El rock & roll nació como música claramente generacional, como una exigencia de ruptura con los géneros musicales anteriores. Fue patrimonio de una juventud que, por primera vez en la historia, no quería parecerse a sus mayores, representantes del puritanismo y el conformismo de la sociedad estadounidense.
Su público estaba compuesto mayoritariamente por adolescentes que reivindicaron sus inquietudes y sus aspiraciones con la ayuda del nuevo género, cuya difusión por todo el mundo, breve pero espectacular, encontró en los medios de comunicación de masas su principal aliado.
El rock & roll se convirtió pronto en la síntesis de una forma de vida. La juventud estadounidense encontró un cauce de expresión adecuado a sus necesidades en un sonido frenético y estridente que, al mismo tiempo, constituía una evolución de las raíces de la música popular, tanto negra como blanca.
Una percusión obsesiva y secciones de viento de intensidad deslumbrantes acompañaban a un instrumento relativamente nuevo -había sido utilizado por vez primera a finales de los años treinta-, que habría de convertirse en emblema de la joven música, la guitarra eléctrica, cuyo chirriante sonido, expresamente distorsionado y sobreamplificado, causaría el entusiasmo del público.
Las primeras grabaciones se realizaron en las pequeñas casas discográficas de Memphis,Nueva Orleans y Chicago, lo que desencadenó la frontal oposición de las grandes compañías, marginadas del negocio, que rechazaron en un principio el rock & roll por amoral y obsceno, por sus referencias demasiado explícitas a la sexualidad -se consideraba que los intérpretes imitaban el acto sexual con sus contoneos en el escenario.
Muy pronto, el término "rock & roll" se aplicó de manera genérica al conjunto de la música popular de finales de los cincuenta y pasó a designar, además de piezas que merecerían estrictamente tal calificativo, temas sentimentales interpretados por bandas de vocalistas negros, como los Platters, canciones de artistas blancos del ámbito urbano (Pat Boone, Paul Anka, Frankie Avalon) y todo un cúmulo de creaciones enormemente variadas.
A principios de la nueva década el fenómeno experimentó una breve revitalización, a la que no fue ajena la extensión de un baile cuya base era el blues ritmicizado: el twist, cuyo nombre está unido al del vocalista de color Chubby Checker.
El rock & roll es, en realidad, una forma de blues rítmico; su estructura básica está constituida por el blues de doce compases, en torno a la cual se realizan variaciones. Junto a las guitarras eléctricas, destaca una base rítmica dominante, donde el piano, la batería -que pasó a desempeñar un papel preponderante- y el bajo marcan con intensidad el comienzo de cada compás de 4/4. Un tempo enérgico y dinámico, con sonoridades duras e intensas, y un estilo vocal estridente, de tono áspero, constituyen, asimismo, características básicas del género. La voz solista suele interpretar los textos, que incorporan términos del argot juvenil y están frecuentemente relacionados con el tema del sexo y el mundo de los adolescentes, prácticamente gritando, silabeando como en el blues.
El término "pop", por su parte, se ha intentado definir de distintas formas a lo largo de los años, utilizando expresiones como inmediata, disponible o contemporánea, aunque su mejor definición es aquella que deriva de su propio origen: popular.
Si bien el profano tiende a situar el momento del nacimiento del pop en la explosión beat de los años sesenta asociándolo con grupos como Beatles o, incluso un poco antes con la aparición del rock & roll, lo más preciso sería emplazarla en el momento en que por primera vez se produjo la popularidad masiva de cualquier tipo de música.
El pop ha estado siempre dirigido por la tecnología de masas, la comunicación y la dinámica comercial de la cultura occidental y, por tanto, podemos fijar cronológicamente la aparición de la música popular en el momento en que la música se hace, aunque parezca reiterativo, popular. Y ese momento viene determinado por la invención del gramófono o fonógrafo. Hasta entonces, la experiencia musical se reducía a la interpretación en vivo de una pieza ante un público presente, una experiencia limitada por condicionamientos espacio-temporales.
Siguiendo este planteamiento, podemos afirmar que el nacimiento de la música popular tuvo lugar a finales del siglo XIX, con la aparición del gramófono, un invento que hizo posible, al menos en teoría, que una misma pieza fuera escuchada por millones de personas. De esta manera nacieron las canciones de éxito, las canciones populares.
La música pop ha conseguido algo muy importante, reflejar la realidad social en la que se desarrolló de forma mucho más cercana y real de lo que fue capaz nunca la música "culta". El pop se ha convertido en una banda sonora común para nuestras vidas y, al igual que las canciones populares trasmitidas oralmente de generación en generación por los trovadores de siglos pasados, la música popular ha reflejado el devenir de la sociedad occidental a lo largo del siglo XX y, sobre todo, el estado de ánimo de varias generaciones marcadas por acontecimientos históricos fundamentales como las dos guerras mundiales, los años de la Depresión en los Estados Unidos, la Guerra de Vietnam, las diversas crisis económicas, las reivindicaciones sociales o los distintos movimientos políticos surgidos a lo largo del siglo. Aunque imperfecta, existe una relación bilateral entre la música de la gente y la propia gente.
